オペラの見方、聴き方：ONKAN

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これはオペラのファンが、これからオペラを体験しようとなさる方へ、その探索の糸口として書いたもので、学術的な資料ではございません。
できるだけやさしく書きましたが、子どもさんは学校の先生やほご者の方に手伝ってもらってください。

　日本では「歌劇」と訳されているので想像がつくかもしれませんが、「オペラ」とは「歌で進められる劇」のことです。芝居は普通の会話のようにお話しするせりふで物語が進みますが、オペラではせりふにメロディーがついているのです。場合によっては日常会話まで伴奏を伴う歌で表され、それが不自然で耳慣れない感覚におちいるかも知れませんね。
　この日常会話の部分が歌ではなく会話で進められるオペラもあります。モーツァルトのオペラとして有名な「魔笛（まてき）」がそのひとつで、ドイツ語でジングシュピール（歌芝居）と呼ばれます。
　なぜせりふを歌うのか？
　同じことを伝えるのに音楽が付いているほうが表情豊かになったり、印象が強くなったりしますね。しかもその歌声がとても訓練（くんれん）されたものだけに、声そのものが魅力（みりょく）にもなります。また歌の部分だけでなく、オーケストラの奏（かな）でるしらべなどが、登場人物の心の内を聞く人に伝える効果などもあるのでお芝居とはまた違った魅力あるものとなっているのです。
　よくオペラは総合舞台（ぶたい）芸術だと言われますが、それは演劇的（演出や演技）、文学的（歌詞）、美術的（舞台装置や照明、衣装（いしょう））といったさまざまな要素が上手に合わさって作られているからなのです。ですから私たちは音楽を耳で楽しむだけでなく、歌手の衣裳、演技、そして舞台装置までもいっしょに楽しむことができるのです。なれればなれるほど、知れば知るほど楽しいものとなるでしょう。

　それではオペラを上演するホールのとくちょうにふれたいと思います。
　日本にも国立のオペラ専用の劇場ができましたが、コンサートに使うホールでオペラを上演することも多いのです。それではオペラを上演するために必要な劇場のとくちょうを説明してみます。

●	舞台の奥にも大きな空間がある。　コンサートホールは反響板（はんきょうばん）という音や声を美しく客席にはね返す装置を使いますが、オペラのときはそれを取り払った奥に大きな空間が必要です。それは大きな舞台装置を持ち込んだり、舞台の奥から演技する人が登場したりするためです。本格的なオペラ劇場は、お客様から見える舞台の何倍も広い空間を持っていて、場面転換（てんかん）などで、舞台上の建物をそっくり入れ替えてしまうことができます。　お気づきの通り、反響板のない舞台で歌う歌手は、良く通る美しい声で歌うことが求められます。
●	舞台と客席の間にくぼんだ場所がある。　オペラでは舞台の上の演技が良く見えることと、歌手の声の響きがオーケストラの大音量に分断されてしまわないよう、いちだん低くなった場所にオーケストラを置きます。これをオーケストラ・ピットと呼び、オペラ上演になくてはならない劇場の機能です。　オーケストラの演奏会では指揮者のようすが主役のように目に入りますが、こうしてピットに入ってしまうと、お客様からはよく見えません。できるだけ演技と歌唱に集中してもらうためです。
●	舞台から見ると客席が狭い。　伝統的なオペラ劇場は上から見るとほぼ円形で、客席もあまり奥行きがなく、その分お客様を壁面に張り出したバルコニー席などにご案内できるようになっています。この方が３階、４階席でも舞台が良く見え、マイクロフォンを使わない歌手の声がとどきやすい利点があります。
●	外とはちがう世界を作ります。　舞台の照明効果を出すために、客席はほぼ真っ暗になります。映画館と同じですね。そのためオーケストラの奏者は舞台のじゃまにならない小さなライトで楽譜を照らします。コンサートなど音楽を楽しむには外の音と切り離しますので、劇場への出入りは演奏中にはできないのが普通です。オペラは特にこうした暗やみを作りますので、光の入るとびらの開け閉は、幕の合間以外はしません。　交通機関のおくれで開演に間に合わなかったとしても、一幕の終わるまで、4, 50分入れません。その間はロビーに置かれたテレビ画面で我慢をしなければならないことになります。
●	舞台に幕がある。　オペラは第一幕、第二幕と言われるように、場面転換や情景の変化を示すときに幕が下ります。この幕がないホールですと、幕間に死人が起き上がったり、係りの人が装置を運んだり、金づちを振るったりする姿が見えてしまいます。こうした会場ではオペラの楽しみであるカーテンコールもできません。このカーテンコールとは、一旦閉まった幕がまた上がることを指し、拍手がなりやまず、オペラ上演が成功したかどうかが分かるスリリングな瞬間です。オペラ幕と呼ばれるものは、幕を上げずにその合わせ目から出演者が一人づつ拍手にこたえることもできます。お客様が満足された歌手の成功を祝い、男性には「ブラヴォー」、女性には「ブラーヴァ」、複数の出演者には「ブラービィ」と声を掛けたり、ごひいきの歌手には名前を呼んだりの光景が楽しめます。　東京芸術劇場やサントリーホールなどコンサートの専用会場には幕がありませんので、ここでオペラを取り上げると、コンサート形式とかホールオペラなどと呼ばれる形になり、演劇より音楽が強調される演奏会になります。
●	電光掲示板の用意がある。　「夕鶴」のように日本語のオペラの場合は問題がないのですが、オペラにはイタリア語、ドイツ語、フランス語などさまざまな言語で歌われる作品がたくさんあります。オペラは何を歌っているかが分からないと聴き続けることがむずかしいので、最近は舞台の上方や横に日本語に訳した字幕を出し、歌手は、オペラが書かれた言葉で歌うことが多いのです。　また観客が歌詞を理解できるように日本語で上演される場合もあります。しかし、作曲者が想定した言語の響き方やアクセントを変えて歌うことは大変難しく、歌手たちは語学を勉強して、台本に書かれた言語で歌うことが多いのです。　そういう歌手の苦労を少しでも軽減するため、次に何を歌うかをそっと教える役が用意されます。　プロンプターといって、正確に曲の進行を追い、歌手が歌う直前の言葉を伝えてあげるのですが、大きな舞台の脇からではそっと教えることはできません。さてどこから伝えているのでしょうか？　劇場に行ったなら、舞台の一番前に黒い箱があるかどうか、探してみてください。
●	跳んだりはねたりできる床がある。　舞台の上で戦いの場面や、大勢がダンスを踊ったりすることが多く、またバレリーナが跳ね回ることのできる床になっていることも必要です。

　約400年前の16世紀末、ルネサンス期イタリアで生まれました。フィレンツェの貴族や芸術家が古代ギリシァで演じられたギリシャ悲劇を復活させようとして始めたのがオペラのはじまりです。当時のイタリアは都市を中心にした国の集まりになっており、フィレンツェの動きは他の都市の貴族を刺激し、オペラが広まりはじめました。こうして最初は貴族階級だけのものでしたが、地中海貿易などで市民文化の進んだヴェネツィアで、モンティヴェルディの市民向けのオペラ劇場がオープンすると、一挙に人気が高まり、映画などのない昔、オペラはイタリア国内では大きな楽しみとなって行きました。このオペラを武器にイタリアの音楽家たちは、ヨーロッパ諸国にかつやくの場を広げて行きました。各地にできたオペラ劇場は観客を多く呼ぶために舞台に工夫を凝らしたり、スターのオペラ歌手が人気を競い合うこともありました。現在の野球のスタジアムのように、当時は劇場の良い席を貴族が専用に買い占めるところとなり、良い席を持っていることが彼らの自慢だったようです。
　当初イタリアでは悲劇的なあるいは宗教的なオペラが作られていましたが、市民のごらく性が高まるにつれ、１８世紀頃からは喜劇仕立てで市民生活を描くオペラが作られるようになりました。
　また、ベルカントという声の美しさに重きを置く歌唱法も成立してイタリアオペラの伝統となりました。イタリアオペラは１９世紀に全盛期を迎えヴェルディ（1813-1901）やプッチーニ（1858-1924）によって頂点を極めました。
　一方その他のヨーロッパ諸国もいつまでもイタリアからの音楽だけではなく、自国の作曲家のオペラを上演する動きがでてきました。オーストリアではモーツァルト（1756-1791）が登場し、流行しているイタリアの伝統を踏まえながらもドイツ語のオペラも作り、イタリアものとは一味違うドイツオペラへの道を開きました。ドイツオペラらしい曲目と言えばウエーバー(1786-1826)の「魔弾の射手」などがあります。１９世紀後半にはワーグナー（1813-1883）がより劇的な要素を強め、「楽劇」と呼ばせる多くの作品を残していますし、リヒャルト・シュトラウス（1864-1949）といった現代最も良く演奏されるオペラ作曲家の一人を産みました。
　またフランスでは18世紀に入るとすぐオペラが伝播してきましたが、フランス革命以降、力を得た市民階級の勢いや、世界の中心パリの気質を反映してか、グランドオペラと言われる一層華やかなオペラが誕生しました。当時のお金持ちの満足を得る工夫もあり、バレエシーンも持ち込まれました。
　ビゼー(1838-1875)の作曲した「カルメン」もパリで初演されました。
　当時帝政のロシアは、王家の権勢によりイタリアからの演奏家や作曲家を招き、ここでも芸術の国と言わせる独特の味わいのあるオペラが育っておりました。時代は19世紀後半になって、バレエ音楽で有名なチャイコフスキー(1840-1893)もオペラを作曲しております。
　20世紀に入り、新大陸アメリカでも「ポーギーとベス」という、アメリカで発達したジャズ音楽を使ったオペラが初演され、画期的な音楽ができあがりました。この頃日本でもはじめてオペラが作曲され、近年では日本の文化として海外で上演される作品もたくさんあります。

　このように世界中に広がってきたオペラを分類するのは難しいことですが、これからオペラに親しむ人のために、良くオペラファンの間で語られる種類の特徴を示します。

・	オペラ・セリアまじめなという意味ですが、元来は神話や神聖な物語あるいは悲劇を台本にした古典的なオペラです。
・	オペラ・ブッファイタリアに産まれた大衆的な興味を惹くオペラで、オペラセリアの幕間の気分直しのような役割から発達しました。早口言葉でまくしたてる歌などで印象的なロッシーニ(1792-1868)などが有名です。日本の能でも、その間に面白い話の「狂言」が挟まっていることを勉強してみてください。
・	オペラコミックフランスで起こった歌と台詞のオペラで、最初は茶番劇の代名詞だったが、必ずしも喜劇ではないオペラも書かれるようになった。
・	オペレッタ小さなオペラの意味で、大文学作品の写しといったオペラではなく小粋な物語といった曲です。レハール(1870-1948)などこのジャンルの曲を沢山書きました。
・	オラトリオオペラの前身とされるキリストの生涯などを歌っている楽曲。バッハのキリスト誕生を描いた曲や、ヘンデルの有名なハレルヤコーラスの置かれたメサイヤなどの作品があります。
・	バロックオペラバロック時代に残された作品で、当時の室内楽的な楽器と共に歌われる初期のオペラです。
・	ヴェリズモオペラオペラ・セリアの最初の頃は、物語りを原題にしたのに対し、実際に有った事件などを題材に台本が書かれたオペラです。マスカーニ(1863-1945)の名をこの一曲で永遠に残す「カヴァレリア・ルスティカーナ」はドキュメンタリーな台本」によるヴェリズモオペラです。
・	イタリアオペラオペラ発祥の地の利もあり、その特徴でもある、美しく響く声（ベルカント唱法）や、一度聞いたら覚えてしまえるストーリーや人物表現で進行するオペラが特徴です。歌が中心ともいえます。
・	ドイツオペライタリア全盛時代の作品に対抗し、登場人物の心理描写や複雑な心境を音楽で表そうとするオペラが多いようです。

　前に述べたとおりオペラはイタリアで生まれ、ヨーロッパ各地に広がったものです。同じ頃日本では歌舞伎（かぶき）が生まれています。歌舞伎が庶民文化のひとつとして育ったのに対し、オペラはときの権力者が自分の威光（いこう）を見せつけたり、儀式（ぎしき）に利用するなどの目的もありました。まただんだんはなやかさを増し、人が集まる場になったとき、そこは社交の場ともなりました。貴族文化の全盛期には劇場を持つ王族が、全てのバルコニー席が見渡せる場に座り、お客様をもてなしたり、だれがだれと来ているかなどに関心を示すこともあったようで、一階席はご主人さまを待つ馬丁さんなどがたむろしている広場だったそうです。今でも平土間席という名前が残ります。
　電気がなく照明装置も未発達ではあきてしまう人も多かったでしょう。それに冷暖房もありませんでしたから、当時オペラを聴いてもらうのは大変だったと言い伝えられております。古い劇場では舞台のよく見えない席もあるのですから。来場者の楽しみもそれぞれだったのでしょう。休憩（きゅうけい）が長いのはトイレに並ぶとか舞台装置の入替えが電動ではなかっただけはでなく、グラスをあげて食事を楽しむためでもあったようです。
　フランスに起った市民革命はそんな特権階級の社交の場を総合芸術の世界へと変える原動力となったと同時に、オペラを維持する膨大（ぼうだい）な費用を負担できる新しい市民勢力のものとなりました。平土間はダンスもできる会場となり、バルコニー席のお客様の目を楽しませる高価な衣装を身に着けた紳士淑女の席に変ぼうしました。
　このようにその時代の大きな力に寄りそいながら生きて来たのがオペラですが、今ヨーロッパでは国立劇場として、その国の文化の威信（いしん）を誇る形で運営されている訳です。オペラ劇場を持っているかどうか？それはその国や地域の人々の芸術文化を大切にする気持ちの表れとされます。
　その一方で市民オペラという世界があります。身近なところで芸術家やオペラを演じたい人の思いを自由に表現する自己責任型のオペラで、地域の支援者がそれを支える時代に入って参りました。現代のオペラを守る主権者は、市民の一人ひとりということになるのでしょうか。
　このようにだれが主催者か？それに左右され勝ちなオペラ作品ですが、今に残っているものは、例えば出資者である貴族をからかう台本でありながら、それを上回る芸術の力を持って時代を乗り越えた、モーツァルトの「フィガロの結婚」に代表されるような曲だと思われます。オペラそしてクラシックの魅力の一つは、そうした大きく変わる時流に屈しない魅力を味わえることにあろうかと思われます。

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台本
　オペラの骨格はその物語による台本です。大体が台本を見て作曲家がこれに曲をつける訳で、オペラ制作者たちの興味を惹く台本でなければなりません。制作者とは、その時々の権力者や関係者であることは言うまでもなく、特権階級の手にあるときは、検閲（けんえつ）なども厳しかったはずで、現在はつまらなく感ずる作品もあり、あまり上演されない作品となります。
　また台本と作曲の息が合っていることは、特に人間の感情を生き生き伝える時代に入るに従い大切な要素になり、モーツァルトのオペラの台本を何編か書いたダ・ポンテのコンビなどが有名です。また作曲者の意思を100％発揮させるため、ワーグナー以降は作曲者自身が台本を書くことも多くなりました。

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歌手、合唱、オーケストラ
　オペラは歌（ソリストと合唱）と楽器の演奏（オーケストラ）で物語りが進行します。そして全体を合わせて指揮者が指揮します。

・	歌手　オペラ歌手には高度の歌唱力と演技力が要求されます。音楽性と演劇性の才能を併せもった歌手はホールで美しい声を響かせることができますので舞台でマイクは使いません。歌手は体そのものが楽器です。声帯を振動させて出した声を口や喉、鼻などの体内空間に共鳴させて歌います。《声の種類》　女性は高い声域から順にソプラノ、メゾソプラノ、アルトといいます。ソプラノはお姫様や若く美しい女主人公の役が多く、メゾソプラノやアルトは、深い愛情表現をする母親や年輩の女性のほか、企てをもった妖艶（ようえん）な女性や個性的な女性の役柄が多くなります。また青年や、若殿などの男役を演じることもあり、これを「ズボン役」といいます。　男性は高い声域の順にテノール、バリトン、バスといいます。テノールはソプラノの声域のほぼ１オクターブ下にあたります。テノールは若くハンサムな主人公の役が多くバリトンやバスは重厚な人や人間味溢れる人柄の役が多いです。カウンターテナーという言葉を聞いたことがあると思いますが、これはアルトと同じ音域を歌う男性のことです。　このほかコロラチューラなど歌手の声質や歌唱技術を言い表す言葉があります。
・	合唱　合唱には男女混声、男声のみ、女声のみ、また児童合唱などさまざまな形態があります。声域はそれぞれ独唱歌手の人たちと同じように分かれていて、群集役などを受け持ち、音楽的にはクライマックスを作り上げる重要な役目を担っています。
・	オーケストラ　オペラでは、視覚（しかく）的には主役にはなれません。また歌手が気持ち良く歌えるために、その場に合わせて（指揮者の指示）合奏できることも求められ、縁の下の力持ちです。しかし、開演直後の序曲や間奏曲などは、作曲家がオペラの内容を伝え、お客様をひき付けるために書いた曲が多く、演奏力を存分に発揮できるところです。オーケストラ・ピットは狭いし、暗い中で指揮者や歌手を立てる気づかいをみせるので、コンサートオーケストラとは異なる性格が求められます。　有名なウィーンフィルハーモニー管弦楽団は、ウィーン国立歌劇場でオペラを弾くためのオーケストラの団員が、ステージに上がって自分たちの音楽を楽しむ姿と言えます。

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指揮者・演出家・スタッフ
　総合舞台芸術であるオペラは音楽創りを担当する指揮者と芝居創りを担当する演出家が大きな柱となって作品を作り上げていきます。しかしこの他にも舞台装置、衣裳、照明などの係、出演者、演奏者、さらには舞台裏で活躍する大道具、小道具係など、さまざまな分野の多数のスタッフが力を合わせて創り上げているのです。

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指揮者
　オーケストラの演奏、歌手たちの歌唱など音楽面での最高責任は指揮者にあります。稽古（けいこ）の段階から歌手やオーケストラとともに表現方法を考えながら音楽面を創り上げ、本番中は歌手の動きを見ながら歌うタイミングを指示し、オーケストラと合わせていかなければなりません。

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演出家
　舞台上の視覚面に全責任があり、舞台装置、照明、衣裳など各分野の専門家の協力を得ながら演出プランを立て、それを実現していきます。一方、歌いながら演技するということを考慮しつつ、歌手とともに演技面の表現方法を練っていきます。

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その他のスタッフ
　指揮者や演出家の他にも舞台には登場しないさまざまな人がオペラを支えています。

・	舞台装置家・照明家・衣裳デザイナー時代背景などを考慮しつつ演出家のプランに沿って舞台装置、照明、衣裳のデザインを考える人たちでプランナーとも呼ばれています。
・	舞台監督演出家や舞台装置、照明、衣裳などのプランをどのように実現させていくか具体的に考え舞台の進行を取り仕切る人で、公演中は演出家に代わって演出実務の全責任を負います。
・	化粧係・かつら係・衣裳係配役の時代と性格に合った顔をつくる人をメイクさん、髪型を作ったり、カツラを扱う人を日本では床山（とこやま）さんと呼びます。衣裳係は歌手が歌いやすいように、身体に合わせて衣裳を直し着付けをします。
・	音楽スタッフ副指揮者は稽古から本番まで指揮者を補佐します。指揮者の音楽的意図にもとづいて歌手に歌唱指導をしたり、本番中に指揮者が見えない歌手に舞台脇から指揮をすることもあります。個人個人の歌手はオペラの稽古の初期段階ではピアノ伴奏で歌唱します。この伴奏をする人をドイツ語でコレペティトール（Korrepetitor）と呼びます。
・	制作オペラの演目、日程、資金集め、キャストやスタッフの決定、舞台装置や衣裳の発注など本番まで全てのことを運営・管理します。

　みなさんが客席から見ているのは舞台のほんの一部です。ステージの裏へ回ってみましょう。

　客席から見て舞台の右側を「上手（かみて）」左側を「下手（しもて）」と言います。客席から見えない上手、下手の舞台を舞台袖と呼んでいます。それから、ステージの下には奈落（ならく）と呼ばれる部屋があり、ステージとはセリと呼ばれる壁のないエレベーターで繋がっています。これは舞台装置を運んだり、歌手が突然現れる演出などに使われます。
　上を見上げると、背景幕や照明との組合せで不思議な効果を出す紗幕、雪を降らせる籠などの吊り物も見えます。また前方から目を射る強いスポットライトが点滅されます。真上から照らされる照明の梁（はり）には、何と黒い服を身にまとった人が上がっているではありませんか。
　幕の上がる直前まで、照明チームは演出家の意欲を実現し、演奏しやすいように調整します。
　大劇場では、舞台の奥に第二幕で使用するお城などが既にセットされ、電動で入れ替わるようになっています。これを回り舞台と呼びます。
　ここでオペラのできた頃を思い浮かべてみてください。
　電気はなく、蝋燭（ろうそく）の灯りを工夫して照明効果を出し、空調もなく、ヨーロッパでのオペラシーズンは夏場を避けました。嫌煙権（けんえんけん）などもなく、劇場内はよほどの事がないと長時間滞在するのは大変な環境だったと思われます。現代は、照明は自動制御され、舞台の入れ替えが電動化されて、観る者をいらいらさせないなどの他、空気も快適な空間でオペラを鑑賞することができるので、一層作品の素晴らしさに集中できる訳です。良い時代に産まれましたね。
　さて下手の袖では小道具係が台車に乗せた椅子やテーブルを運んでいます。その周りでは大道具係が柱を組み上げたり、次の場面のセットを運んだりしています。衣裳係は舞台化粧を終えた歌手に上着を着せ、舞台監督はタイムテーブルを片手に歌手の持ち物を点検させています。またもうすぐ出番の歌手を袖に呼んでいます。
　上手の袖では背景幕などの「吊り物」を上下する準備をしています。大道具係が本物そっくりの邸宅を舞台に押し出しています。上の方にはライトをあてている照明係が最後の確認をとっています。
　オーケストラ・ピットには既に奏者が入り、楽器のチューニングをめいめいにしています。
　主催者から舞台監督に電話が入ります。「定刻開演してください」の合図です。
　指揮者が控えの豪華な個室から招かれ、ステージ下のオーケストラ・ピットで入り口に進みます。
　照明係が指揮者の入場を追うスポットライトに手を掛けます。客席の照明が完全に降り、全てのドアが閉まると、いよいよ開演です。
　このように舞台裏では多くのスタッフが働いています。多くの人々の努力によってオペラが創り上げられます。ミラノ市にあるオペラの殿堂と呼ばれるスカラ座では、小道具のひとつずつがその当時の素材でできているなど、こだわりもすばらしく、オペラが総合舞台芸術だと言われているわけが、これでわかってきたのですが、皆様はいかがでしたか？

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